martes, 2 de agosto de 2016

La vía del Tarot (Texto editable) (Scan) (PDF)



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jueves, 28 de enero de 2016

Alejandro Jodorowsky - Fábulas Pánicas (Completas - PDF)


«En ese año funesto de 1960, un tal licenciado Peredo estableció en la Ciudad de México la censura teatral para las obras que en su mente de mico llamaba "de vanguardia". A su gubernamental Oficina de Espectáculos no sólo había que enviar el texto con una descripción de la puesta en escena, sino que se debía soportar que un inspector viera la obra antes del estreno y cortara lo que considerara nocivo. En caso de desobediencia, Peredo procedía a vetar la obra por completo. Es así como me clausuró La sonata de los espectros de Strindberg, La lección de lonesco y también una obra mía, La ópera del orden. Esta última vez no sólo envió a un grupo de granaderos para amenazarnos, sino que decretó ponerme en una lista negra.

     Como resultado, los cursos de pantomima que yo daba en la escuela de teatro de Bel las Artes me fueron cancelados y, habiéndose corrido la voz de que estaba maldito, ningún empresario ni dueño de teatro, por miedo al PR1 (el entonces partido político oficial, al que pertenecía Peredo), quiso seguir trabajando conmigo. Tampoco los pintores, actores, músicos y escritores que habían medrado popularidad a través de mis espectáculos, osaron tenderme una mano. Durante unos meses viví de nada, masqué sombras y bajé de peso. En ese ostracismo, sólo dos mujeres ignoraron el ninguneo. Una fue la que en ese momento era mi esposa, Valerie, que para asegurar el pan nuestro de cada día trabajó de corista en el restaurante-cabaret " La Vendimia", paseándose por entre los comensales con una mandolina y exiguas ropas. La otra inolvidable mujer fue la actriz Elda Peralta. Ella, una estrella del cine mexicano, apasionada por el teatro, había aceptado los sueldos anémicos que yo podía ofrecerle para participar en algunos de mis espectáculos Cuando Peredo me dio el cuchillazo, Elda me ofreció trabajar como actor, bajo el seudónimo de Martín Arenas, en una obra que partió de gira por toda la República. Esto me permitió, por una parte, subsistir varios meses y, por otra, conocer al novelista Luis Spota, de quien Elda era novia.



     «Tenga el lector en cuenta que en ese periodo se me consideraba un enemigo público. Las autoridades, para educar al pueblo, que sin rodeos tiraba sus desperdicios en las calles, proponían en periódicos, revistas, radios y televisores: "i Ponga la basura en su lugar l" A este lema, los periodistas enemigos agregaron otro: "i Ponga a Jodorowsky en su lugar1 ", pidiendo a ocho columnas que se me aplicara el artículo 33, la expulsión del país, por extranjero pernicioso... Luis Spota me trató como a un amigo. Me consoló diciendo: " No te preocupes por lo que te quieren hacer, sino por lo que te pueden hacer". Siendo presidente de la Comisión de Box, pudo también decirme: " No gana el que pega más duro, sino el que resiste más".

     Esto me decidió a continuar. Si no podía ganarme la vida en el teatro o el cine, lo haría a través del cómic... Puesto que mi amigo dirigía el semanario cultural del periódico El Heraldo de México, le propuse una historieta en cada número. A pesar de que yo nunca había estudiado dibujo, la necesidad de trabajar me dio el valor de lanzarme a la acción, olvidando el ojo crítico de mis amigos pintores, en su mayoría influidos por la pintura abstracta norteamericana. Spota, acostumbrado a todo tipo de ataques por parte de la "intelectualidad" a causa de su enorme éxito popular, aceptó la idea y, sin preocuparse de mi negativa fama, me pidió cuatro páginas adelantadas.



     «En los camerinos de "La Vendimia", de media noche a cuatro de la madrugada, entre mesas cuajadas de maquillaje, calzones con lentejuelas, senos de caucho, abanicos de grandes plumas, encueradas sudorosas y ronco vocerío de borrachos lúbricos, dibujé mi primera fábula pánica. Lo hice con un lápiz y una goma, borrando innumerables veces. Avancé como pude, es decir lentísimo. Logré terminarla al cabo de una semana. El mensaje que ella contenía era desesperado: la realidad es semejante a una máquina que vemos simple cuando somos niños, pero que a medida que envejecemos se hace más y más incomprensible. Al morir nos damos cuenta de que la vida no tiene sentido.

     Durante varias semanas creé este tipo de historietas, influido por los ídolos literarios de la época, tales como Kafka: no hay salida, los personajes deben ser antihéroes, el tema principal del escritor es su propia neurosis. Muy pronto me sentí fatigado por el negativismo intelectual. Si me dirigía a tantos lectores, debía mostrar lo positivo que encontraba en la vida. Y así, poco a poco, fui integrando en mis torpes dibujos las enseñanzas Zen, la sabiduría iniciática, la simbología sagrada, etcétera.



     «Más tarde, esto me llevó a pensar que el único arte válido era aquel que servía para sanar.

     Si bien al comienzo tuve tiempo para dibujar debido a la humillante cesantía, cuando Peredo hizo mutis y la lista negra fue olvidada, los múltiples espectáculos en los que me sumergí me impidieron cuidar mis trazos. El contenido no cambió, pero la forma palideció. Más adelante, para poder ocuparme con tranquilidad de la filmación de La montaña sagrada durante dos meses y medio, me vi obligado a parir diez fábulas en un solo día... Si el lector me otorga su indulgencia, solicito que termine este prólogo leyendo la fábula número cien.»

Alejandro Jodorowsky
(Prólogo)



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sábado, 23 de enero de 2016

Mozart - Réquiem (Mp3)

Una de las principales influencias de esta obra puede hallarse en el Réquiem de Michael Haydn compuesto en el año 1771 para la muerte del arzobispo de Salzburgo S. C. Schrattenbach.


«La Misa de Réquiem en re menor, K. 626, es una obra de Wolfgang Amadeus Mozart basada en los textos latinos para el réquiem, es decir, el acto litúrgico católico celebrado tras el fallecimiento de una persona; se trata de la decimonovena y última misa escrita por Mozart. Mozart murió antes de terminarla, en 1791.

El Réquiem en re menor KV 626, la última obra de Wolfgang Amadeus Mozart, fue compuesto para orquesta sinfónica, coro y voces solistas (soprano, contralto, tenor y bajo). Los instrumentos para los que fue compuesto el Réquiem responden al esquema típico de una orquesta sinfónica de finales del siglo XVIII, pero algo más reducida.

     «En junio de 1791, Mozart ofreció en Viena uno de sus últimos conciertos públicos; tocó el Concierto para piano n.º 27 (KV 595). Su último hijo, Franz Xaver Wolfgang, nació el 26 de julio.

     «Días antes en su casa se presentó un desconocido, vestido de negro, que rehusó identificarse y encargó a Mozart la composición de un réquiem. Le dio un adelanto y quedaron en que regresaría en un mes. Pero el compositor fue llamado desde Praga para escribir la ópera La clemencia de Tito, para festejar la coronación de Leopoldo II.

El Réquiem de Mozart está dividido en 7 bloques. Algunos de ellos, a su vez, se subdividen en otras partes más pequeñas. Cada una de las partes de la obra tiene un final y dependiendo de la interpretación y del director la pausa entre una y otra tendrá una mayor o menor duración.

     «Según la leyenda, Mozart, obsesionado con la idea de la muerte desde la de su padre, debilitado por la fatiga y la enfermedad, muy sensible a lo sobrenatural por una supuesta vinculación con la francmasonería en esa época de su vida e impresionado por el aspecto del enviado, terminó por creer que este era un mensajero del destino y que el réquiem que iba a componer sería para su propio funeral.»

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sábado, 17 de octubre de 2015

Frédéric Chopin - Nocturnes (Mp3)

Frédéric Chopin nació en la aldea de Żelazowa Wola, en el voivodato de Mazovia, a 60 kilómetros de Varsovia en el centro de Polonia.

«Frédéric Chopin (1810-1849) fue un compositor y virtuoso pianista polaco considerado como uno de los más importantes de la historia y uno de los mayores representantes del Romanticismo musical. Su perfecta técnica, su refinamiento estilístico y su elaboración armónica han sido comparadas históricamente, por su perdurable influencia en la música de tiempos posteriores, con las de Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Johannes Brahms o Franz Liszt.»

En junio de 1832 se mudó a la calle Cité Bergère 4. Su prestigio comenzaba a extenderse no sólo en París sino en toda Europa. Firmó un contrato para la publicación de su música con Schlesinger, la casa editora más importante de Francia.


     «El compositor polaco Fryderyk Chopin escribió a lo largo de su corta vida hasta veintiún nocturnos para piano. Entre ellos se encuentran algunas de sus piezas más conocidas. No se publicaron todos reunidos en un mismo conjunto de piezas, sino que pertenecen a varios números distintos de opus y algunos incluso fueron editados póstumamente. Los tres primeros nocturnos se encuadran en el Op. 9; los tres siguientes, en el Op. 15; en el siguiente, el Op. 27, hay sólo dos, igual que en los Op. 32, Op. 37, Op. 48, Op. 55 y Op. 62. Además, hay un nocturno en el opus póstumo 72 y hay otros dos nocturnos sin ningún número, uno en do sostenido menor y el otro en do menor.

     En total, Chopin tardó en componer todos sus nocturnos un tiempo de unos quince años. Entre ellos no suman más de dos horas de música (se queda alrededor de una hora y tres cuartos), aunque eso depende mucho de la interpretación que se les dé. Por tanto, tienen una duración media de algo más de cinco minutos.»

En el invierno de 1835 se sintió tan mal, que creyó que se moría; de hecho, en ese momento, escribió el primer borrador de su testamento, estaba tan afligido, que incluso llegó a pensar en suicidarse.


     «La carrera de Chopin (desde 1831 en París hasta 1849) se desarrolla durante el Romanticismo, en su segundo periodo conocido como "Romanticismo pleno". Además de él, en Europa brillaban en aquellos años compositores como Berlioz, Paganini, Schumann, Mendelssohn, Meyerbeer y destacaban las primeras óperas de Verdi y Wagner.

     Muchos rasgos de la vida de Chopin son símbolos del Romanticismo: su aire de misterio, su doloroso exilio, su inspiración atormentada, su refinamiento, incluso su temprana muerte por la tisis son temas románticos típicos. Sin embargo, es preciso notar que las biografías novelescas (también algunas películas) y las interpretaciones exageradas han terminado por falsificar la imagen del músico y su genio. De Candé ha dicho que "el mito con que se ha hecho víctima a su genio es el más tenaz y más nefasto de la historia de la música".»

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martes, 4 de agosto de 2015

Antonio Vivaldi - L'Estro Armonico (Mp3)

«Durante su vida Vivaldi fue muy popular en varios países como Francia e Inglaterra pero después durante el Clasicismo y el Romanticismo fue ignorado su trabajo.»

«Antonio Lucio Vivaldi (Venecia, 4 de marzo de 1678-Viena, 28 de julio de 1741) más conocido como Antonio Vivaldi, fue un compositor y músico italiano del barroco. Se trata de una de las figuras más relevantes de la historia de la música. Su maestría se refleja en haber cimentado el género del concierto, el más importante de su época.

La carrera del veneciano estuvo marcada por cuatro grandes etapas, dominadas todas ellas -según dicen algunos- por la figura paterna.»

«Era apodado Il prete rosso ("El cura rojo") por ser sacerdote católico y pelirrojo. Compuso unas 770 obras, entre las cuales se cuentan 477 conciertos y 46 óperas. Es especialmente conocido, a nivel popular, por ser el autor de la serie de conciertos para violín y orquesta Las cuatro estaciones. Esta obra, que forma parte del ciclo de su opus 8 "Il cimento dell'armonia e dell'inventione", tiene una importancia capital por suponer la ruptura del paradigma del concierto soli, establecido por el mismo Vivaldi. Hasta entonces, el concierto soli era un concierto en el que el instrumento solista llevaba todo el peso de la melodía y la composición, y el resto de la orquesta se limitaba a ejercer el acompañamiento según las reglas de la armonía.

«Cada uno de los conciertos de L'Estro Armonico consta de al menos tres movimientos »

«L’Estro Armonico op. 3 (‘Inspiración armónica’) es una colección de doce conciertos escritos por Antonio Vivaldi en 1711. Estos conciertos aumentaron en gran parte la reputación de Vivaldi como Il Prete Rosso (‘el sacerdote rojo’). Los doce conciertos fueron agrupados en orden cronológico.

Más adelante Johann Sebastian Bach hizo transcripciones de algunos de estos conciertos. Para órgano el no.8 (BWV.593), y el no.11 (BWV.596); para clavecín el no.3 (BWV.978), el no.9 (BWV.972) y el no.12 (BWV.976); y para cuatro clavecines y cuerdas el no.10 (BWV.1065).»

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domingo, 19 de julio de 2015

Maurice Ravel - Bolero (Mp3)



«Maurice Ravel (Ciboure, Labort, 7 de marzo de 1875-París, 28 de diciembre de 1937) fue un compositor francés del siglo XX. Su obra, frecuentemente vinculada al impresionismo, muestra además un audaz estilo neoclásico y, a veces, rasgos del expresionismo, y es el fruto de una compleja herencia y de hallazgos musicales que revolucionaron la música para piano y para orquesta. Reconocido como maestro de la orquestación y por ser un meticuloso artesano, cultivando la perfección formal sin dejar de ser al mismo tiempo profundamente humano y expresivo, Ravel sobresalió por revelar «los juegos más sutiles de la inteligencia y las efusiones más ocultas del corazón» (Le Robert).



Influencias
«Nacido en un tiempo bastante propicio a la aparición de las artes, Ravel se benefició de influencias muy diversas. Mas, como lo destaca Vladimir Jankélévitch en su biografía, "ninguna influencia puede jactarse de haberlo conquistado totalmente (…). Ravel se sigue manteniendo imperceptible envidiosamente detrás de todas esas máscaras que le dieron los esnobismos del siglo."

«Por ello, la música de Ravel parece, como la de Debussy, profundamente original, o incluso inmediatamente inclasificable de acuerdo a la estética tradicional. Ni absolutamente modernista ni simplemente impresionista (tal como lo hiciera Debussy, Ravel negaba categóricamente este calificativo que consideraba sólo reservado a la pintura), se inscribe mucho más en la línea del clasicismo francés iniciado en el siglo XVIII por Couperin y Rameau y del cual fue su última prolongación. Por ejemplo, Ravel (al contrario que su contemporáneo Stravinski) no deseó nunca renunciar a la música tonal y sólo utilizó con parsimonia la disonancia, lo que no le impidió por sus investigaciones hallar nuevas soluciones a los problemas planteados por la armonía y la orquestación, y dar a la escritura pianística nuevos caminos.

«La bailarina y mecenas rusa Ida Rubinstein (1885–1960) era una amiga íntima de Ravel. Ella fue la inspiración y destinataria del Bolero. Retrato de Valentín Serov.»


Bolero
«Bolero (en francés Boléro) es una obra musical creada por el compositor francés Maurice Ravel en 1928 y estrenada en la Ópera Garnier de París el 28 de noviembre de ese mismo año. Bolero compuesto y dedicado a la bailarina Ida Rubinstein, su inmediato éxito y rápida difusión universal lo convirtieron no solamente en una de las más famosas obras del compositor, sino también en uno de los exponentes de la música del siglo XX.

«Movimiento orquestal inspirado en una danza española, se caracteriza por un ritmo y un tempo invariables, con una melodía obsesiva —un ostinato— en do mayor, repetida una y otra vez sin ninguna modificación salvo los efectos orquestales, en un crescendo que, in extremis, se acaba con una modulación a mi mayor y una coda estruendosa.

«Pese a que Ravel dijo que consideraba la obra como un simple estudio de orquestación, el Boléro esconde una gran originalidad, y en su versión de concierto ha llegado a ser una de las obras musicales más interpretadas en todo el mundo, al punto de que hasta el año 1993 permanecía en el primer lugar de la clasificación mundial de derechos de la Société des auteurs, compositeurs et éditeurs de musique (SACEM).



Bilder einer ausstellung
«"Cuadros de una exposición" (en ruso: Карти́нки с вы́ставки, Kartinki s vystavki) es una famosa suite de 15 piezas, compuesta por Modest Músorgski (1839-1881) en 1874. Músorgski escribió la obra para piano, pero probablemente es más conocida en la forma de la orquestación y arreglo que de ella hizo el compositor francés Maurice Ravel (1875-1937).

«Músorgski compuso esta obra, originalmente llamada Suite Hartmann, inspirado por la exposición póstuma de diez pinturas y escritos de su gran amigo, el artista y arquitecto Víktor Hartmann (1834-1873), quien solo tenía 39 años cuando murió. A manera de homenaje, el compositor quiso 'dibujar en música', algunos de los cuadros expuestos.

«Es una obra maestra, del tipo de música romántica conocida como música de programa o música programática.»

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domingo, 12 de julio de 2015

Carl Orff - Carmina Burana (Mp3)


«Carmina Burana es una cantata escénica del siglo XX compuesta por Carl Orff entre 1935 y 1936, utilizando como texto algunos de los poemas medievales de Carmina Burana. Se estrenó el 8 de junio de 1937 en la Alte Oper de Fráncfort del Meno dirigida por Oskar Wälterlin.

     La versión de Orff constituye, junto a Catulli Carmina y El triunfo de Afrodita, la trilogía Trionfi. Orff subtituló la composición: Cantiones profanæ cantoribus et choris cantandæ comitantibus instrumentis atque imaginibus magicis (en español: «Canciones laicas para cantantes y coreutas para ser cantadas junto a instrumentos e imágenes mágicas»).

Carl Orff por Tony Hauser.


«La obra se compone principalmente de versos en latín, aunque cuenta con fragmentos en alto alemán medio y provenzal antiguo. Su fragmento más conocido es el «O Fortuna», que constituye la primera parte del preludio y que se repite al final de la obra.

   En la cantata, además de la orquesta y coros, intervienen solistas (soprano, tenor, barítono), destacando su abundante y espléndida percusión.

     De la colección completa de los Carmina Burana, Orff escogió veinticinco canciones y las ordenó de modo que pudieran ser representadas en un escenario. En cuanto a la música, se amoldó a la sencillez de los textos. Aproximadamente la mitad de las piezas son canciones cuya melodía se repite en cada estrofa casi sin variantes, limitándose algunas veces a realizar simples escalas mayores o menores.

   El ritmo es el encargado de dar variedad al conjunto, impidiendo así cualquier monotonía. Esta riqueza rítmica es, tal vez, la característica más importante de los Carmina Burana de Orff. Hay en la obra una clara influencia de las obras Las bodas y Edipo rey, de Ígor Stravinski (véase el Diccionario Groove de música).



«Carl Orff (Múnich, 10 de julio de 1895 - ibídem, 29 de marzo de 1982) fue un compositor alemán, cuyo trabajo puede ser enmarcado dentro de la corriente del neoclasicismo musical. Fue conocido por su obra Carmina Burana y también por desarrollar un sistema de enseñanza musical para niños (Schulwerk o 'método Orff') que ha tenido notables resultados.»

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